如何正确处理弹奏技术与音乐表现的关系——这是一个听上去很容易回答！却不容易去做的问题。弹奏技术是工具，是手段，是为表现音乐服务的。有好的技术就得心应手，便于表现音乐。但有了好的技术，也不一定能表现好音乐。反之，有的人乐感很好，对音乐也有一些想法，但缺乏技术手段，结果还是表现不了音乐。所以看来两者都不能偏颇，我们作为老师必须考虑如何把两者有机地结合起来训练。
学院派的钢琴教学已形成一种模式, 把学生所需要掌握的知识和技能通过不同的教材分成四大类：技术训练(包括音阶、琶音和练习曲）、复调训练、大型乐曲（不同时代风格的奏鸣曲、协奏曲）和中小型乐曲。
认为通过这样的教材就可以培养较全面的钢琴演奏技能，包括技术和音乐表现)。其实教材固然重要，但关键在于如何选用教材和如何教。这个问题就比较复杂了。
首先要看我们的教学对象是什么人，他们学钢琴的目的是什么。他们应该在几年内完成学业，他们有多少练琴时间等等。因此，不同的对象应该采用不同的方法。比如我们音乐学院的钢琴主科学生与副科学生就有区别。教作曲系钢琴副科和声乐系的钢琴副科也有区别，师范院校的学生与音乐学院的学生也应有区别。也就是说，首先应该搞清楚培养目标，然后选择相应的教材和教学方法。我在音乐学院教钢琴，学生都是从小学起的，各方面已打好一定的基础，我的任务应该是帮学生扩充曲目和提高音乐修养。遗憾的是，常常由于基础没有打好，还要给他们做一些打补丁的工作。而音乐学院附中阶段应该更重视打基础问题，可是由于孩子们在附中阶段都爱弹大作品，几乎把钢琴文献中最难的曲子都学了，表面看上去很了不起，其实遗憾的是，他们的基础中有很多漏洞。所以虽然技术上去了，但对音乐的理解方面没有跟上。到了大学毛病就暴露了。师范院校的钢琴教学就比较难，学生的程度不齐，年龄大，基础差，学制短，又要出活。在短时间内培养工作能力，真是不容易。
在这里我只能讲有关钢琴教学的共性问题，但这与培养对象也分不开。例如!对初学者我们会要求他每天必须练一点基本练习。很多学生不爱练，大学生又说没有那么多时间。那么音阶+琶音究竟要不要练习？我认为，一定要练，所有学生都应该练。因为这是最捷径的打基础的教材。既能练手指技术，又能熟悉键盘上各个大小调。为键盘和声、即兴伴奏打基础。但练基本练习也要看怎么练习。必须有明确的目的性而且要用心地练，练音阶可带着不同的课题：
1.找科学的弹奏方法! 注意声音和放松问题
2.练手指力量的均匀，特别在转指的时候
3.练手指的灵活性和速度
4.练力度控制
5.练触键、连奏、断奏等
对初学者来讲，首先是熟悉键盘，慢练，放松。这对各种类型的学生都适用。我们的学生一弹音阶就只知道弹快和响，用高抬指敲琴键，不顾声音有多难听，把耳朵都练坏了。他们认为练音阶就是机械劳动，这是错误的。练音阶也要有音乐习惯，像机器一样地练音阶的人，以后到了乐曲中也会弹得像机器一样。这是常见的现象。
怎样对待练习曲？我们一般让学生弹许多练习曲，认为通过练习曲能训练技术。但在国外也有老师很少用练习曲，他们喜欢通过一定技术性乐曲来训练技术。认为结合音乐来练技术更直接，这种做法要求老师非常熟悉钢琴文献。善于找到不同程度、各种技术课题和不同性质的乐曲。根据学生的具体情况因材施教。我认为：在初级阶段多用一些练习曲，如车尔尼849、299，克拉莫等还是很有用的。过了中级阶段，不必弹那么多练习曲了。应该多弹些各种各样的乐曲，从中提高技术，学会技术在乐曲中的运用。练习曲也应该弹成乐曲，而不是纯技术的练习。对一些深程度的学生完全可以通过一些乐曲片断练八度和双音。这在李斯特的作品中有很多，没有必要专门练习八度练习曲，但肖邦和李斯特、拉赫玛尼诺夫的练习曲不同。它们本身就是高难度技巧的乐曲，需要长期磨练，技术和音乐并进，到完全表现音乐为止。
复调训练对学钢琴者确实是必不可缺的内容，因为钢琴本身就是一种多声的乐器。这是钢琴的优越性，同时也是它的艰巨性。但是既然要学复调，就必须认真地学会弹多声部，不能走过场。哪怕学一条二部或三部的创意曲，也应把声部控制好。要真正有所收获才有用，否则弹多少条都没有用。
大型作品的难度主要表现在对音乐的理解和组织上，需要有很好的结构感，深入地去领会作曲家的意图和作品的思想感情。现在我们的学生一弹贝多芬奏鸣曲就是“热情“、”黎明“，他们读谱都没有读正确，能理解这些名著的内涵吗？他们表现得出来吗？贝多芬创作了32首奏鸣曲，他们学过几首？对贝多芬的风格有多少了解？为什么一定要选这些大作呢。一些学生会说，现在要不弹一些大的、难的曲子就得不了高分"。可是打分的人不都是我们的老师吗？难道我们的老师们听音乐就是以“大“和”难”为标准的吗？难道我们没有音乐标准了吗？真是太悲哀了，我们的老师们除了教技术以外，一定要教音乐。让学生懂得音乐的分句，音乐的语气和性质，音乐的结构和作曲家的意图以及风格等等。总之，教钢琴的目的，是教音乐，而不是手指体操。最难受的是听学生弹他们完全不懂的曲子，只有音符，没有音乐表现。这种现象在我们的初级教学中太多见了，怎么办？首先要改变我们自己的观念，我们做的是打基础的工作，把基础打好，从一开始就抓好，不要急于求成，不要拔程度，不要贪多嚼不烂。每学一条教材都要有所收获。不但技术方面提高一点，音乐方面也要明白一点。要给学生力所能及的教材，使他真正能做好。不要给他吃力不讨好的教材，费了半天劲还是弹不好。既伤害了他的自尊心和信心，还影响了他学琴的兴趣。
中小型乐曲是性质多样的！各种风格都有，特别训练人的乐感和音乐表现力。但就是这方面的训练常常被忽略。由于追求大和难，只要手指技术，看不起小曲，造成我们的学生缺乏音乐表现力。孩子们练习曲弹得多，乐曲弹得少。什么门德尔松的《无词歌》、格里格的《抒情小品》都被看作小儿科，所以不值得学。结果是少走了一个学琴道路上的重要台阶。不会弹歌唱性，没有层次感，不懂怎样踩踏板等等缺点，慢慢地就暴露出来了。音乐是一种语言，用声音表现的语言，它有自己的规律和文法。我们学习的是通过一定的技术手段表现出来的西方音乐艺术。但由于老师们自己对西方的风俗习惯、音乐文化了解不多，学习不够，说不出太多道理。因此就容易把注意力放在单纯的技术方面，而忘记技术是为表现音乐服务的，丢掉了目标就失去了方向。所以要想真正理解和表现一些钢琴文献，还需要我们进行很多学习、多听、多看、多分析、多体会音乐的内涵"。同时不断地提高我们的技术水平。
上面这些说起来都很抽象。其实问题时时刻刻都存在，例如古典音乐中的语气问题，两个音的小连线问题，分句问题，重拍和弱拍问题，三拍子乐曲中的节奏韵律问题，旋律和伴奏的关系问题，旋律的造型问题，和声进行在乐曲中的作用和对音乐表现的重要性问题，音色问题及每个作曲家的不同的风格特点等等。这些问题在每一首乐曲中都存在，也是我们每一堂课都在重复的问题。但一到具体乐曲学生又不会了，所以这些不是手指技术问题，而是音乐理解和表现的问题了。
至于如何打基础，这又是一个专门的课题了。我认为，有几个方面应该认真的抓：
1.正确地读谱、快的视奏能力；
2.严格的节奏训练；
3.科学的弹奏方法；
4.良好的声音概念；
5.大方的音乐表现。
6.有几点大胆的建议，仅供参考：
一、对一般师范院校的学生来说，如果学制只有两年的话：
1.搞一点基本练习（五指的、和弦的)，主要搞弹奏方法的自然放松；
2.把大小调音阶弹熟；
3.多学一些不同性质、不同技术和伴奏型的乐曲；
4.掌握初级的即兴伴奏知识和能力；
5.强调能力，不要追求程度。
二、对有中等程度的学生，除了要掌握较科学的弹奏方法以外，还要多学乐曲，提高对音乐的理解力和表现力。不必弹太多练习曲，技术可以通过基本练习和乐曲来学习。
三、对较高程度的师大音乐学院钢琴主科学生，当然对技术水平要有更高要求。可多强调一点专业演奏水平，更应要求他们对音乐的理解和表现。同时掌握科学的弹奏方法和初级钢琴教学法，以便将来从事钢琴教学时不误人子弟。
四、对入学时不同程度的学生，评定他们的成绩时应该从他们的实际出发打分，不能用一种统一的标准来评比所有的学生。这样可以避免乱拔程度的现象发生。入学时，可将学生分成几个级别。两年后每个级别的学生只要能在他原来的基础上升两级就算及格，甚至给优良，这样比较科学，让学生能够健康地学知识！
